Estou deixando o WordPress por razões, digamos, de mercado. Além de achar o Blogger mais descomplicado de usar.

Enfim, as atualizações continuam normalmente. Apenas troquei de casa.

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Te encontro lá.

The Rocky horror picture show (The Rocky horror picture show)  - 1975

Muitas vezes sou questionado por pessoas que conhecem, mas não necessariamente entendem minha paixão por cinema. Repetidamente ouço a pergunta: “Qual é a graça de ficar vendo tanto filme?” E eu acho que uma das melhores formas de se responder a esta pergunta é explicando os motivos pelos quais eu amo The Rocky horror picture show.

É incrível, quase miraculosa, a forma como o cinema se reinventa constantemente, acompanhando a evolução de pensamento humano. E nem falo do fator técnico da coisa, pois isso é óbvio demais, mas sim da maneira como as histórias evoluíram, e ganharam consistência com o passar dos anos. Tal evolução pode ser vista claramente no filme que agora comento. Pensar que em 1975 um filme iria trazer na tessitura assuntos como incesto, homossexualidade, canibalismo, e uma total falta de pudor em relação à exposição do sexo, é inconcebível. Não disse discutir, que fique bem claro. Mas o simples ato de incorporar tais pontos em sua narrativa já escancara o quanto Rocky Horror estava anos a frente de seus companheiros. Se até algumas décadas atrás, sexo era proibido pelos estúdios e qualquer referência ao ato em si era totalmente velada, é fácil imaginar o quanto um filme como este pode mexer com a cabeça da sociedade “purista” dependendo da época que o recebe. Quando foi lançado Rocky Horror fracassou nas bilheterias, foi massacrado pela crítica, e demorou um tempo até encontrar seu lugar entre as sessões noturnas aonde iam aqueles que também não sabendo exatamente seu lugar na sociedade, se refugiavam por algumas horas numa sala de cinema, extravasando suas emoções com um filme que lhes dava o direito de abraçar sua bizarrice, sua revolta e inquietude.

Dirigido por Jim Sharman, The Rocky horror picture show é uma viagem insana, psicodélica e delirante que não sabendo de onde se parte, pouco se importa o destino. A única coisa que demanda é total entrega de quem se aventura por seus obscuros labirintos. Por tal motivo é difícil elaborar uma sinopse do roteiro. Rocky Horror é um amontoado de tudo, desde os filmes-B ao qual constantemente reverencia, até o humor mais louco e desapegado. Começa o filme com um casamento onde estão presentes os mocinhos da película, Brad e Janet. Após pegar o buquê, Janet recebe o pedido de noivado de seu amado. Começa então, assim, sem aviso, sem motivo, uma canção sobre como Brad ama Janet, e Janet ama Brad. Tudo envolto por uma releitura viva do American Gothic, e com direito até á velório na igreja que a pouco sacramentava o destino de dois amantes. Vai que depois de muita vergonha alheia, Brad e Janet estão andando de carro numa noite chuvosa por uma estrada escura. O pneu fura, e eles vão procurar abrigo num castelo pelo qual haviam passado não fazia muito. Não sem antes entoarem a deliciosa “Over the Frankestein place”. São recepcionados então pelo mordomo taciturno Riff Raff, que os convida a entrar. E é quando começa a genial “Time warp” que Rocky Horror perde qualquer vestígio de sanidade e se entrega de vez a uma loucura desenfreada e saborosa. Muitas outras músicas fantásticas irão tocar, um travesti devasso vindo do planeta Transexual (Tim Curry, soberbo) faz às vezes de host do bacanal, e somos sugados como num turbilhão para dentro desta suruba toda. É sério, dizer simplesmente que o filme abandona a narrativa convencional e se entrega à anarquia, é um eufemismo. Não tenho palavras para descrever a sensação que é assistir ao furacão que toma conta da tela pelos 70 minutos seguintes.

É fácil entender o porquê de este filme ter caído no gosto do público que ia prestigiá-lo nas midnight sessions. Para além das qualidades, a sessão de Rocky Horror ainda oferecia a oportunidade de a audiência “interagir” com o filme, cantar sem medo suas músicas e coreografar as danças, e usar acessórios conforme as cenas eram exibidas (um sonho que quero realizar algum dia). Resumindo, a magia do cinema traduzida de fato. Em um filme que ousa, que excita e incita nossa capacidade de abraçar e aceitar as diferenças, nos entregarmos “ao prazer absoluto, e nadarmos pelas águas do pecado da carne” sem pudores estabelecidos por uma ideia preconcebida do que é certo e do que não é.

E daí eu volto para a pergunta que abre meu texto. A graça, o motivo, o porquê de eu dedicar boa parte da minha vida em ver histórias inventadas, interpretadas por pessoas que na verdade nunca as viveram? Porque é o cinema que me faz chorar, sorrir, que enche meu coração de uma alegria quase opressora, e da mais profunda tristeza. É basicamente, porque filmes como Rocky horror picture show existem.

 Another year (Another year) – 2010

Mike Leigh é um cineasta fascinante. Não apenas por ter no currículo filmes brilhantes como Segredos e mentiras e Agora ou nunca, mas também porque estando atualmente com 68 anos, dirige com um vigor invejável. Em especial após dois trabalhos um pouco abaixo do seu habitual nível de excelência, Vera Drake e Happy-Go-Lucky, era esperado, e nenhum pouco criticável, que ele resolvesse continuar remando conforme a maré. Mas ao invés disso, Leigh nos brinda com este fabuloso Another year, um dos melhores e mais lúcidos filme da sua carreira.

Jim Broadbent e Ruth Sheen (sublimes) interpretam aqui o simpático casal que servirá de fundação para todas as subtramas que Leigh irá lançar mão durante as duas horas (e parecem bem menos) de filme. Tom e Gerri vivem o sonho da juventude de terem envelhecido juntos ainda se amando, e donos de uma cumplicidade sem igual. Acordam cedo, tomam café juntos, partem para a horta que ambos cultivam com o mesmo amor, voltam para casa, recebem conhecidos, saem com amigos, trabalham, e por fim dormem abraçados. E é no meio desta eterna felicidade, deste santuário de estabilidade, que recebem as mais díspares e instáveis visitas. O maior destaque é Mary (interpretada com brilhantismo ofuscante por Lesley Manville), uma simpática cinquentona que após levar um pé na bunda do namorado (que tinha uma esposa) afoga as mágoas numa boa garrafa de vinho. Em boas garrafas de vinho, melhor dizendo.

O restante do elenco tem participações mais esporádicas ao longo da narrativa, que se divide em quatro segmentos, cada um intitulado com o nome de uma estação. E como eu adoro essa mania do Leigh de reutilizar sempre os mesmos atores de seu seleto grupinho, quase como um Almodóvar que sempre acha um jeito de enfiar a Chuz Lampreave nos filmes. E assim caminha o filme. Apresentando sem pressa, mas nunca monótono, o cotidiano deste casal feliz e todos os infelizes que orbitam a sua volta, e como em todo o cinema de Leigh, é calcado na crônica da vida dos ingleses da classe trabalhadora e seus pormenores. Another year não tem necessariamente um roteiro. Tem personagens. E que personagens. E é isso que faz dele algo ao mesmo tempo tão gostoso quanto cínico. Cínico, pois apesar de pintar seus personagens com carinho e delicadeza, Leigh não se esquece de escarnece-los de quando em quando. Nos lembrando que os anos passam, e não vale a pena deixá-los ir enquanto ficamos lamentando que a vida não está do jeito que gostaríamos. Tente, e viva com o melhor disto. Não é como se Tom e Gerri não tivessem seus problemas aqui e ali. Eles simplesmente escolheram não dar tanta importância assim pra isso. E vindo de um diretor com a idade de Leigh, é louvável que esta mensagem nos chegue de maneira orgânica, sem pieguice e tão bem humorada. Mais uma gema, para a coleção do diretor.

 Notas sobre um escândalo (Notes on a scandal) – 2006

Impecáveis como as protagonistas, Sheba e Barbara têm a sorte de possuírem duas atrizes estupendas como Blanchett e Dench para lhes dar vida. Blanchett está especialmente soberba, conseguindo passear com sua personagem pelos mais variados sentimentos: raiva, paixão, medo, vergonha, amor… Blanchett é uma atriz completa, daquelas que consegue dar veracidade a qualquer papel que se proponha a fazer. É impossível imaginar Sheba sendo interpretada por outra pessoa com o mesmo brilhantismo. E Dame Judi dispensa qualquer comentário. Dizer que Judi está excepcional é chover no molhado. Dench cria uma personagem profunda, sutil, capaz de captar e passar emoções simplesmente com um leve arquear de sobrancelhas, ou uma quase imperceptível contração dos lábios.

Patrick Marber, responsável pelo excelente roteiro de Closer, tem um talento especial em mostrar o ser humano em seu pior, sem fazer disso motivo de julgamentos superficiais. Ele apenas mostra, e cabe à quem assiste interpretar e entender da melhor maneira possível. E é isso que torna o texto de Marber tão poderoso. Desde os apontamentos amargos, (e totalmente verdadeiros) que Barbara escreve em seu caderninho, até o retrato mordaz que faz Sheba parecer uma patética caricatura de mulher, o roteiro é pontuado sempre pela idéia de que indiferente da imagem que se tenta vender, ninguém consegue escapar do fato de que alguma hora terá de enfrentar de frente sua própria mundanidade e banalidade. Ou seja, por mais individual, eterea e madura que tente aparentar, Barbara é no fundo uma velha infantil e delusional, que chega mesmo ao ponto de escrever num diário os encontros que impõe a amiga, como se estes fossem o início de um idílico caso de amor, enquanto enfeita suas anotações com estrelinhas para simbolizar a felicidade resultante destes encontros. E Sheba, apesar de ser a aparente “vítima” desta situação é tão songa, que mesmo com tudo desmoronando ao seu redor, ainda se dá ao luxo de achar que há uma luz no fim do túnel para a situação que tão deliberadamente chamou para si.

É quase como se Marber e Eyre tivessem tirando sarro com nossa cara, criando primeiro uma falsa absolvição (a solidão) aos atos das protagonistas, para posteriormente mostrar que a responsável por tudo, é a incapacidade de ambas em compreender quão inconsequêntes e debilitadas emocionalmente elas verdadeiramente são. Logo, o ideal romântico que cada uma cria para si, é um atestado da limitação das mesmas em confrontar o verdadeiro inimigo que as arrasta para dentro deste vulcão. Do ponto positivo, é que seus demônios, resultam num filme soberbo.

 Grave Encounters (Grave Encounters) – 2011

Há alguns dias atrás, li em algum lugar o seguinte comentário: “O legado de nossa geração para o cinema, é o mockumentary.” Não poderia estar mais de acordo. Nunca houve tantos exemplos do gênero sendo lançados como atualmente. Mais especificamente, após os ótimos Atividade Paranormal, [REC] e Cloverfield pavimentarem o caminho, a produção do mockumentary explodiu. Efeito colateral deste booom é que do grande número de produções que surgem a cada ano, uma boa parcela é de filmes ruins. Como é o caso de Grave Encounters, produção assinada por uns tais de “The Vicious Brothers”. Sentiu o drama, né?

Sou grande defensor da idéia de que filme de terror bom é filme que dá medo (ah, jura santa?). Se conseguir dar susto e causar medo junto, melhor ainda. Infelizmente, Grave Encounters é uma negação tão grande, que incapaz disso, não se presta nem pra pregar uma peça no público. Eu adoro pular da cadeira com a trilha que aumenta na hora certa. Ou com o espectro que aparece do nada na frente da câmera e abre o bocão. Mas os “The Vicious Brothers” não se prestam nem para isso. E veja bem, BROTHERS. Ou seja, era mais de uma mente pensante por trás desta merda, e mesmo assim o projeto é de um amadorismo gritante.

Não é como se eles não tentassem fazer um filme capaz de amedrontar. Mas é que a coisa é realmente tão mal feita, que todos os sustos são facilmente antecipados. Os ângulos de câmera chegam quase que a trabalhar contra a narrativa, volta e meia escondendo acontecimentos importantes do espectador, só pegando o final da ação, geralmente quando um personagem já está correndo para longe.

Falta ainda á narrativa um fio condutor que a interligue de modo geral. A história começa com o canastrão Lance Preston, que apresenta um programa de TV estilo “ghost hunters”, enquanto ele e sua equipe de charlatões adentram em um antigo hospital psiquiátrico, que diz a lenda ser povoado por forças malignas. Por algum motivo, todos concordam que seria uma boa idéia pedir para o zelador do local trancar as portas com correntes por fora. Daí que começam a se fazer ouvir barulhos e objetos se mexem, e quando eles tentam escapar, percebem que a estrutura física do prédio mudou, e onde antes havia o átrio, agora estão mais e mais corredores. E é basicamente isso. Pessoas correndo de um lado para outro, em um prédio que não tem saída, sendo perseguidas por assombrações. O final é tão idiota, que nem vou me dar ao trabalho de comentar.

 Super 8 (Super 8) – 2011

J. J. Abrams chegou a um ponto em que é preciso escolher, ou ele continuará sendo um diretor mediano e vai passar o resto da carreira sem fazer algo de realmente memorável, ou vai criar vergonha na cara larga e nariguda e parar de dirigir no piloto automático. Até agora, os filmes anteriores de J. J. sofriam do mesmo mal: eram bom entretenimento, mas frágeis a ponto de não resistirem a uma segunda visita. Revendo MI:3 e Star Trek os defeitos e falhas de roteiro saltam aos olhos, e apesar de uma boa primeira impressão, o que fica é a visão de que ambos poderiam ser melhores do que saíram.

Vendo Super 8 essa idéia fica ainda mais evidente. É um filme delicioso e divertidíssimo, mas com falhas e buracos demais. Defeitos tão bobos que poderiam facilmente ser corrigidos com um olhar mais apurado. Quando propõe uma viagem nostálgica e despretensiosa àquelas aventuras da sessão da tarde, Abrams não poderia ser mais exitoso. Não por acaso a melhor parte do filme é exatamente a primeira metade, enquanto acompanha o cotidiano do grupo de amigos e suas interações. As brincadeiras, o clima de cumplicidade e gozação, as paixões, a passagem da infância para a adolescência. Tudo está em perfeita sintonia. Agora, quando ele tenta brincar de Spielberg, a coisa muda de figura.

A começar pelo acidente de trem. Uma excelente sequência, é verdade. Mas de uma grandiloquência tão exagerada que denuncia sua “não-necessidade”. Não tenho problema algum com filmes repletos de efeito. Adoro um arrasa-quarteirão. Reclamar do cinema comercial americano é coisa de gente mal comida que quer pagar de intelecto-qualquer-coisa. Só me incomoda quando a proposta de um filme não é essa, e o uso desmedido de cenas assim soe artificial. Não estou dizendo que a explosão em si é muito grande ou foge da realidade. Ela apenas destoa de todo o resto da narrativa. Esteticamente ela beira a perfeição. O design de som é um assombro, e me ressinto de ter perdido a oportunidade de ver o filme no cinema quando tive a chance.

Porém, se fosse este o único tropeço do filme, eu estaria feliz. Meu problema é realmente que J. J. parece falhar exatamente onde Spielberg geralmente se mostra impecável. Fechar seus arcos de uma maneira sutil, mas emocionalmente carregada. Abrams quase acerta. A cena do colar é uma ótima amostra. Mas em outros momentos, parece dirigir a esmo esperando que o espectador supra as lacunas emocionais que ele não consegue preencher. Um exemplo é quando Joe (este ator é um achado) confronta seu pai pela primeira vez em uma cena que se supõe emocionante, mas deixa o espectador com uma grande interrogação sobre quais emoções exatamente, já que os problemas de relacionamento entre o menino e o pai nunca mais voltam a aparecer na narrativa. Ou ainda toda a subtrama que envolve Alice (uma Elle Fannigan tão luminosa que chega a ofuscar o resto do elenco) e o seu pai, que também demanda certo tipo de sentimento no espectador, o qual não consegue criar. E o final, quando ambos personagens se entendem com seus tutores, não poderia soar mais vazio, já que não existe um real desenvolvimento dos adultos ou uma tentativa de compreensão dos mesmos sobre os problemas que afligem seus filhos. De um momento para o outro, uma luz divina brilha e eles de repente percebem o quão errado estavam, e tá tudo resolvido.

E isso é só o começo. Os erros continuam se amontoando ao longo da narrativa. O “vilão” de Noah Emmerich é completamente unidimensional, bem como a própria criatura em si, que entra e sai da história sem dizer bem a que veio. E ainda, porque raios o alienígena demorou tanto tempo para reunir os blocos que formavam a nave, se na cena final este problema se resolveu de maneira tão simples. Para que matar tanta gente, e tanta destruição se ele poderia ter reunido os blocos no momento do acidente de trem, e simplesmente ido embora? É quase como se J. J. fosse auto-indulgente a ponto de achar que a nostalgia do espectador irá prevalecer sobre a razão, e os defeitos do roteiro não irão importar.

É sério, me dá vontade de chorar, me corta o coração ter de falar mal deste filme, pois eu amo ele. Digo bem alto: #EUAMOSUPER8. Mas J. J. é tão burro, que perdeu a oportunidade da vida de fazer um filme eterno. E isso sobrepõe quaisquer sentimentos que eu tenha pelo filme, por uma raiva tremenda pelo diretor.

 Rocky III – O desafio supremo (Rocky III) – 1982

Eu acredito que certos filmes a despeito de todo e qualquer defeito, merecem ser reverenciados pelo lugar que eles são capazes de ocupar no coração da audiência. É isso que acontece com os filmes da série Rocky. Apesar de o primeiro ter recebido 372 indicações ao Oscar, e ser ovacionado em uníssono, o destino dos outros capítulos da franquia não fizeram assim tanto sucesso dentre a crítica especializada. Porém, foram arrebatadores na missão de consolidar o garanhão italiano no imaginário popular. E como não poderia deixar de ser, apesar de uma história de superação tipicamente americana, Rocky alcançou os corações de platéias de todo o mundo.

E é seguindo essa fórmula básica de ganhar o sentimento do público, que Stallone dá neste terceiro filme o golpe de misericórdia para transformar seu Rocky em uma força sem precedentes dentro do cinema americano. Depois de dirigir o segundo capítulo com vigor, Stallone derruba qualquer barreira em um filme que transpira sentimento e é todo coração. Após derrotar seu grande oponente em uma luta fantástica, Rocky detém agora o título de campeão mundial dos pesos pesados. Sem um oponente realmente a altura, o lutador de coração mole divide seu tempo entre a família e vendendo a imagem para produtos, enquanto enche o bolso de dinheiro. É quando surge na parada Clubber Lang, um valentão que alega ser o novo campeão mundial, e desafia o italiano para que possa provar tal afirmação.

E daí pra frente todo mundo já sabe o que acontece. Porém, muito mais interessante que se entregar ao suspense de se Rocky vai ou não derrotar seu novo inimigo, é sentir crescer novamente em nós aqueles sentimentos que tornam este um personagem tão adorado. É óbvio que ao final do filme Rocky vai vencer, mas sabermos disso de antemão não tira em nada a graça de acompanhar o lutador novamente dando o máximo de si e digladiando com seus fantasmas, enquanto Apollo Creed cobra do antigo oponente que ele mostre o “olho do tigre” (ui).

Eu sei que vou ser apedrejado por isso, mas talvez imbuído por uma paixão por este personagem que Avildsen não tinha, Stallone tem novamente um trabalho muito melhor na direção, tornando Rocky III, assim como o anterior, superiores ao aborrecido primeiro episódio da franquia. Não entendam mal, a direção de Stallone é muito mais lugar-comum que a de Avildsen. Mas este não é tipo de filme feito para ser inovador. Ele é entretenimento. E volto a dizer, o fator paixão pela narrativa, faz uma diferença tremenda.

Yo Adrain, you did it... nem parece mais uma songa.

Pela primeira vez também eu acho que é possível entender de fato o que motivou Rocky a casar-se com Adrian, já que no primeiro filme a moça não passava de uma mosca morta, que o roteiro tentava sem sucesso vender como timidez. Essa sempre foi uma das questões que mais me incomodava no primeiro filme: o que afinal tinha de especial em uma mulher tão tapada como Adrian? Pois, finalmente pude ver um relance de personalidade nela. E por mais fajuto que soe o motivo da discussão entre Rocky e ela na praia, é inegável que a cena é ótima.

E fazendo justiça a um último ponto, Rocky III tem uma das melhores canções originais já feitas para um filme. E ver que ela perdeu pra “Up where we belong” é de doer o coração.

Purple Rain (Purple Rain) – 1984

Eu nem sei por onde começar a falar desta delícia. Purple Rain é tão descaradamente nonsense que eu vou simplesmente adotar o estilo narrativo desta merda e escrever sem qualquer preocupação em fazer sentido.

Começa a coisa toda e a gente vê Prince sensualizando para a câmera com sua presença magnética, nos fazendo esquecer todo o resto e ficando apenas embasbacado olhando ele possuído no palco. Mas vai que em algum momento a música precisa acabar e o roteiro ser desenvolvido. E até que de início parecia que o filme teria uma história interessante, e realmente chega a enganar durante uma meia-hora. Mas quando a terceira música do disco entra em cena e percebemos que as situações são todas uma mímica para que possa-se chegar ao ponto que a história entra em sintonia com a canção, a gente já sabe que a coisa realmente não vai acabar bem. Ai você tem duas escolhas: aceitar o fato de que o filme vai ser uma bosta e se entregar, ou ser ranzinza e ficar achando motivos pra implicar com o negócio. Eu tomei a primeira opção, e me diverti no processo. O roteiro a gente descarta, os dramas a gente defeca e as atuações a gente fecha os olhos. E eu não sei o que é pior, se o Prince pagando de ator, ou de hétero. Respondam nos comentários. Roteiro autobiográfico, aham Prince, senta lá.

O filme é abertamente um veículo para vender o cantor. Logo, como tal deve ser apreciado. E me respondam, como uma espécie de videoclip de 90 minutos, tendo um álbum como Purple Rain de trilha sonora, e o Prince performando, pode ser ruim? Não dá. O cara é um dos maiores gênios do pop/rock. Quando as paradas eram dominadas por álbuns de artistas monstruosos como Michael Jackson e Bruce Springsteen, Prince com toda sua efervescência causticante foi lá e emplacou uns trocentos singles no Top 10, com um álbum indescritível como este. Assistir a Purple Rain, o filme, é a oportunidade de entender o porquê deste estouro. Prince é um deus em cima do palco. Suas apresentações exalam devassidão e erotismo, Prince consegue ser mau e bom, sexy e repulsivo, santo e profano, tudo ao mesmo tempo. E assistir a isso é mesmerizante.

Portanto meu amigo, meu conselho é o seguinte, se você for assistir Purple Rain cague pro roteiro, e encare ele menos como um filme, e mais como um pocket show de um dos maiores ícones da música, que você pode contemplar do conforto do seu lar. Compre a tequila, prepare seus bons drink e boa diversão.

E Wes Craven conseguiu novamente. Após amargar alguns anos sem fazer um filme realmente memorável, o diretor levantou a bunda gorda do sofá e faz valer o salário, voltando aos bons tempos com essa delícia de Pânico 4. O filme não somente é o melhor da série desde o original, como dá um novo fôlego à franquia abrindo espaço para uma quase certa nova trilogia. Na verdade, não fosse pelo descaso com os personagens originais, o filme poderia mesmo ser considerado o melhor de todos so far. Elaboro.

Quando requisitado ao roteirista Kevin Williamson que relembre ao público o porquê de a série ser uma das mais famosas dentro do slasher, ele corresponde à altura, nos brindando com alguns dos melhores diálogos já escritos na “quadrilogia”. E quando essa verborragia entra em sintonia com o elenco, o resultado é genial. Posso citar de cara o já antológico e hilário plano inicial, que não só faz referência ao cinema de horror como um todo, como remete a vários pontos dentro da própria mitologia da série. Ou ainda quando uma deliciosa Hayden Panettiere participa de um quiz mortal elaborado por Ghostface, e numa enxurrada profere tudo aquilo que de melhor o terror ofereceu ao cinema nas últimas décadas (aliás, alguém mais teve que dar rewind na cena só para poder vê-la vociferando “Psycho!” umas quinhentas vezes???).

#Kirbynãomorreu... #SaveHayden

Mas ai Williamson fica preguiçoso e quando é necessário parar de fazer auto-referência e brincadeiras e partir pro desenvolvimento da história, ele fica aquém do esperado. A começar pela maneira como os protagonistas originais ficam em segundo plano para o roteiro focar no desenvolvimento de personagens novos. Uma tarefa que também se mostra falha, já que com exceção de Kirby nenhum outro personagem consegue despertar empátia no público. Em segundo, e talvez mais importante ainda, o filme poucas vezes consegue realmente ficar nervoso. Vários momentos eu mal sabia se estava assistindo de fato a um terror ou somente um flick adolescente. Demérito quase que inteiramente de Craven, que não sai muito da zona de conforto daquilo que o consagrou.

Querendo ser tanto um reboot como uma sequência, Pânico 4 fica em cima do muro sobre qual dos dois é realmente, e por isso gera uma certa confusão não somente de identidade dentre os personagens mais antigos, como da própria franquia em si. De fato, o único elemento que nos remete a série original, é Ghostface. De resto tudo mudou. E por isso mesmo que Sidney, Dewey e Gale parecem tão deslocados nesta história. Desde a completamente dispensável crise no casamento do policial e da ex-repórter, até a volta da própria Sid para Woodsboro, tudo soa forçado e sem naturalidade. Se era para traze-los de volta, que fosse para centrar a história nos mesmos. Até o final (uma baboseira sem limites, aliás), que gira todo em torno de Sid, tem um “quê” de estúpido e gratuito. E de fato alcança níveis extraordinários de cretinice quando a identidade do assassino é revelada. E também seus motivos.

Ta, daí você me pergunta porque eu gostei do filme se ele é tão ruim. Mas é ai que tá. Mesmo com tantos elementos destoantes e fora de nicho, Pânico 4 conseguiu ganhar meu coração gelado. Deve ser saudosismo mesmo, pois nada explica tal fato. Qualquer pessoa que cresceu assistindo Pânico (e se você foi adolescente nos anos 90, e não viu a trilogia, então suma deste blog e nunca mais coloque os pés aqui), deve guardar os filmes com muito carinho na lembrança. E é por isso que ver nossos heróis e eterno vilão novamente reunidos cause uma sensação tão boa. E apesar de não conseguir criar a mesma tensão que os antigos filmes causavam, Pânico 4 é ao menos, um puta entretenimento. É diversão pura. As quase 2h de filme, passam voando. E além das piadinhas espertas, o filme já valeria por todas as referências que faz ao cinema de horror. Eu choro vendo diretores como Wes Craven pagando tributo e homenageando tantos filmes e cineastas geniais pra essa gurizada de hoje em dia, que mal sabem quem é Leatherface. Mesmo para nós, cinéfilos, a quantidade de referências chega a causar vertigem. Mas uma boa vertigem, que fique claro.

Sobre meninos e lobos (Mystic River) – 2003

Existe uma seleta lista de diretores os quais idolatro, e sempre que algum filme do mesmo é lançado me sinto compelido, ou melhor, obrigado a assistir. Clint Eastwood é sem dúvida um dos diretores que tem esse poder sobre minhas escolhas. Qualquer outro título é preterido em função de algum de seus filmes. E exatamente por este motivo, sempre espero ser arrebatado ao sair de uma incursão pelo seu pequeno e brilhante universo. E mais uma vez, o cara não me decepcionou.

Baseado no livro de Dennis Lehane, o roteiro gira em torno de três amigos, que devido a um acontecimento traumático na infância, acabam se separando e levando vidas á parte um do outro, até que 25 anos após aquele fatídico dia, outro acontecimento ainda mais devastador, os obrigará a se reunir novamente. É um tipo de história atípica, que entramos já sabendo que o processo de atravessá-la será doloroso, e a jornada de cada personagem não será menos do que tortuoso. Jornada esta que se torna ainda mais devastadora, devido ao estupendo trabalho do elenco. Sean Penn, Tim Robbins e Kevin Bacon estão excepcionais, e cada olhar, cada gesto, cada choro contido, vem carregado de uma torrente de emoções que pega o espectador em cheio, e o deixa arrasado. 

O que Eastwood faz em Sobre Meninos e Lobos é aquele cinema robusto, maduro, adulto, livre de soluções fáceis, que não demanda simpatia do espectador, apenas pede a compreensão de que aqueles personagens não são mocinhos ou bandidos, são apenas pessoas. Humanas, erradas, calejadas, reais. Pessoas que tiveram suas vidas destroçadas por fatalidades, e que tentam sobreviver com o peso dos erros que cometeram. É um filme de rara beleza, poético, fatalista e ao mesmo tempo centrado.Mas acima de tudo, Sobre Meninos e Lobos é a certeira resposta de um diretor para o cada dia mais genérico e estéril cinema americano, que de uns tempos pra cá é apenas uma cópia mal feita, de obras realmente geniais, como esta.

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OBS: Texto originalmente publicado no blog The TOP 250 IMDb Nerd Project.